Andreas Diefenbach   Biography Images Text

Andreas Diefenbach / Terribly amusing, but in future without me / 03.09. – 06.11.2010

What sounds like a scornful comment and the rejection of a vague incident is actually meant in a literal sense and in referring to David Foster Wallace describes the artistic approach of Andreas Diefenbach. Analogous to Wallace, who often used footnotes as a stylistic device to capture the relentless daily criticism of information and sound bytes, Diefenbach fragmentally quotes different styles of painting. The title of the exhibition sounds like the renouncing of something past and phrases a new self image. Diefenbach rejects a world that he sees as terribly amusing: "In the future without me". This rejection is his parole and therefore stands as something programmatic. Those who have followed the development of Diefenbach will recognize this as a sign of his artistic progress. The exhibition that consists of a large scale mural, collages and canvasses that have been printed and painted on, as well as large pillars form a complex assemblage that asks for a simultaneous perception if one seeks to understand Diefenbach's purpose. Away from contemplation, the oeuvre reflects upon the senses in and of themselves and reaches ascends to a level from where new points can be made.
Media images form the center of Diefenbach's composition. The area of tension surrounding this core is resolved in an experimental and highly animated game that opens up a new territory. During the process of production Diefenbach goes from the rough material of the subject matter (the motif's aura) into the subtle and differentiated level of the interplay. The old connotative Frame is loosened, boundaries are crossed and the motif finally is transfered into a new level of meaning. The conscious production of different references to painting that reaches from abstract expressionism to nouveau realism and capitalist realism remains important. Diefenbach maintains a virtuosos and self-critical approach to the tableau.
As a conceptual artist his paintings have a serial, cold and technical side to them. Yet they also emit an honest warmth. The pillars in the exhibition create architectural references as well as connections between the paintings and inwardly extend the gallery space into a new system of reference and meaning. They draw lines and complement the walls and the artwork they contain through imagination. Pillars can hold us but they are no sustainable poles. They function as symbols and have been deprived of their function. They stand for freedom and point towards a utopian dream.
The verbalization of this utopia takes place through the large twinkling mural and the Marx quote that serves as its title: "The demand to give up the illusion about your state is the demand to give up on a state that requires an illusion." - It rests as a critical protagonist inside the exhibition: Through elements of optical illusion Diefenbach comments on the contditio humana. The glimmer apparently screams: "Do not be fooled! But trust your senses!" Is this the proclamation of an engaging artist who-though never as a formalist- withstands the thunders of this world?
Diefenbach uses the human's role in society as a starting point for his artistic practice. This becomes apparent in his collages but also in his work as a DJ in his own radio show: Listen to Edgar Varese's music and you will understand my paintings and what i want, Andi says to me. All particles are being freed from their form through energy. The reminders of bodies are the remainders of the exhaustion after an electrical discharge. The amusement has lead to this. Before the white noise the shapes were still wiggling. Think bout Raymond Hain's ripped posters. What does this skin reference mean to you? Skin is an indicator for the psyche. Are your images something like the barometer for the condition of society? Your paintings are covered with a skin of lacquer, a mummification of the time around 2010? How is it possible to make a declaration about a certain point of time? Diefenbach's paintings are the quintessence of this question. They are a hard boiled and gelatinized distillate. Their surface conceals less beauty that actualizes itself with every view: "Singin through you to me; thunderbolts caught easily; Shouts the truth peacefully Eeeeeee-lec-tri-ci-teeeeeee" (Captain Beefheart & his Magic Band "Electricty").

Patrick Alt, August 2010


—————————————————


Andreas Diefenbach / Schrecklich amüsant, aber in Zukunft ohne mich / 03.09. – 06.11.2010

„Schrecklich amüsant, aber in Zukunft ohne mich“ - Was wie ein spöttischer Kommentar und zugleich wie die Absage an eine im Vagen liegende Begebenheit klingt, ist durchaus wörtlich zu verstehen und beschreibt angelehnt an das gleichnamige Buch David Foster Wallaces konzentriert die künstlerische Haltung Andreas Diefenbachs. Analog zu Wallace, der als Stilmittel intensiv Fußnoten einsetzte, um das tägliche verbale Dauerfeuer aus Information und Soundbites zu erfassen, zitiert Diefenbach fragmentarisch verschiedene Malereistile.
Der Titel der Ausstellung klingt wie die Lossagung von etwas Bisherigem und formuliert ein neues Selbstverständnis des Künstlers. Diefenbach erteilt einer als schrecklich amüsant empfundenen Welt eine Absage: „In Zukunft ohne mich.“ Diese Absage ist seine Ansage und somit programmatisch. Und wer Diefenbachs Werdegang verfolgt hat, erkennt dies als künstlerischen Reifungsprozess.
Die Ausstellung, die aus einem großen Wandbild, Collagen und bemalt/bedruckten Leinwänden sowie übermenschlich großen Säulen besteht, bildet ein komplexes Ensemble, das eine Gleichzeitigkeit der Wahrnehmung erfordert, wenn man verstehen möchte, um was es Diefenbach geht. Weg von Kontemplation reflektiert die Gesamtheit der Werke unsere Wahrnehmung als solche und erreicht schließlich eine höhere Ebene, von wo aus neue Aussagen getroffen werden können. Medienbilder dienen in diesem Prozess Diefenbach stets als Kern seiner Kompositionen. Das Spannungsfeld um diesen Kern entlädt sich bei ihm im experimentierfreudigen und hochangeregten Spiel, wodurch neue Räume erschlossen werden. Im Produktionsprozess strebt Diefenbach von der grobstofflichen Materie des Themas (Aura des Motivs) in eine feinstoffliche und differenzierte Ebene des Interplays. Der alte konnotative Rahmen wird gelockert, Grenzen überschritten und das Motiv letztlich in besagte neue Bedeutungsebenen transferiert. Dabei ist das bewusste Herstellen unterschiedlicher malerischer Bezüge, die vom abstrakten Expressionismus über den Nouveau Realism bis hin zum kapitalistischen Realismus reichen, zentral. Diefenbach pflegt dabei einen virtuosen und selbstkritischen Zugang zum Bildtableau. Als konzeptueller Maler erhalten seine Bilder etwas seriell, kalt Technisches, sind aber auch beseelt und strahlen eine ehrliche Wärme aus.
Die Säulen in der Ausstellung erzeugen nun sowohl architektonische Bezüge als auch Verbindungen zwischen den Bildern und erweitern den Galerieraum nach Innen in ein neues Bezugs - und Bedeutungssystem. Sie ziehen Linien und ergänzen imaginär die vorhandenen Wände mit den daran enthaltenen Bildern. Die Säulen könnten uns halten, sind aber keine wirklich standhaltenden Pfähle. Sie dienen als Symbole, sind ihrer Funktionen entledigt. Sie stehen für Freiheit, sie deuten auf eine Utopie.
Bei der Formulierung dieser Utopie nimmt nun das große flimmernde Wandbild mit dem von Karl Marx entlehnten Zitat als Titel - „ Die Forderung, die Illusionen über seinen Zustand aufzugeben, ist die Forderung, einen Zustand aufzugeben, der der Illusionen bedarf.“ - so etwas wie eine kritische Hauptrolle innerhalb aller Werke dieser Ausstellung ein: Anhand der optischen Täuschungselemente kommentiert Diefenbach die Conditio Humana. Das flimmern scheint uns zu sagen: Lasst euch nicht täuschen! Aber vertraut euren Sinnen. Ist das der Aufruf des engagierten Künstlers, der – niemals Formalist – den Stürmen der Welt standhält?
Diefenbach geht in seiner Arbeitsweise vom Menschen in der Gesellschaft aus. Dies ist ebenso in seinen Collagen zu erkennen, wird aber auch deutlich, wenn er als DJ mit eigener Radiosendung arbeitet: Höre die Musik von Edgar Varese und du wirst meine Bilder und was ich will verstehen, sagt Andi zu mir. Die einzelnen Teilchen werden durch Energien von ihrer Bindung befreit. Die Reste der Körper sind Reste einer nach der Entladung erfolgten Müdigkeit. Das Amüsement hat dazu geführt. Doch vorher zappelten die Gestalten noch, bevor es zum weißen Rauschen kam. Man denke an Raymond Hains Plakatabrisse. Was bedeutet dir dieser Hautbezug? Haut ist Anzeiger für die Psyche. Sind deine Bilder so etwas wie das Barometer für gesellschaftliche Zustände? Deine Bilder überzieht eine Haut aus Lack, Mumifizierung der Zeit um 2010? Wie ist es also möglich, eine bleibende Aussage über eine bestimmte Zeit zu treffen? Diefenbachs Bilder können als Quintessenz dieser Fragen betrachtet werden. Sie sind abgekocht und geliertes Destillat. Und unter ihrer Pelle verbirgt sich eine zeitlose Schönheit, die sich bei jedem Betrachten erneut aktualisiert: Singin through you to me; thunderbolts caught easily; Shouts the truth peacefully Eeeeeee-lec-tri-ci-teeeeeee (Captain Beefheart & his Magic Band „Electricty“).

Patrick Alt, August 2010